LA EXPOSICIÓN DE ANTONIO LÓPEZ

Ya ha finalizado la gran exposición retrospectiva de la obra de Antonio López en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.  Espero que la mayoría de nosotros hayamos tenido la oportunidad de verla.

El artista que tiene ahora 75 años ha supervisado la muestra, y su hija Carmen ha sido uno de los comisarios de la misma, en la que casí la mitad de las obras ha procedido del propio estudio del pintor, y han sido seleccionadas por él mismo,  mostrando algunas obras inacabadas y nunca antes vistas en público.
Hacía 20 años que no se ofrecía ninguna exposición antológica del Pintor y Escultor en Madrid, y es difícil que volvamos a ver otra con las mismas características en mucho tiempo.

Este Oleo sobre tabla de 90,5 x 93,5cm titulado “La Gran Vía” es una de sus obras hiperrealistas más famosas, que se ha constituido en un icono personal de toda su obra. Fue pintada desde 1974 a 1981 y pertenece a una colección privada. Podemos ver junto al cuadro la fotografía del artista ubicado en el mismo lugar en el que elaboró la pintura. 

LA EXPOSICIÓN DE MADRID EN EL THYSEN-BORNEMISZA

 Esta exposición ha reunido 130 obras entre dibujos, pinturas y esculturas procedentes de museos, colecciones privadas, y del estudio del artista. En la muestra se ha podido ver perfectamente la evolución artística de Antonio López, desde sus primeros dibujos y pinturas de los años 50, en un estilo ya realista pero con una pincelada expresionista y con temas mágicos casí surrealistas, hasta sus esculturas mas modernas y sus famosas pinturas panorámicas de Madrid en estilo hiperrealista, capturando la luz irreal de los atardeceres y amaneceres de nuestra ciudad, con un aspecto casí fantasmagórico mostrando solo los elementos más estáticos de Madrid: Los edificios vacíos, sin personas y sin automóviles circulando por sus calles, ni nubes en el cielo.

Para mi, la mejor obra que hemos podido ver en la exposición de Madrid, no es su famosísimo cuadro de la "Gran Vía" de la que hemos hablado al comienzo del artículo, sino la "Terraza de Lucio” un óleo pintado sobre varias piezas de tabla de más de 2 metros de ancho, comenzado en 1962 y finalizado en 1990 y que pertenece a un coleccionista privado. Es uno de los primeros cuadros hiperrealistas de Madrid de Antonio López, y nos muestra la terraza de la casa de una pareja de pintores amigos del artista: Amalia Avia y su esposo el también pintor Lucio Muñoz quien solía bromear sobre las obras de su amigo con comentarios como este: “Está muy bien lo que pintas, pero ¿quién te va a comprar un cuarto de baño?”.

En esta obra uno de los protagonistas es el paso del tiempo, que deteriora y llena de grietas las paredes de la izquierda de la terraza, que casí pueden tocarse, mientras que hace crecer una enredadera de rosas bellísima en la pared de la derecha. A lo lejos aparecen los tejados de ese barrio de Madrid, anticipandose a la serie de cuadros que le han hecho más famoso.
La escultura que mas me ha gustado ha sido una de bronce titulada: "Hombre Tumbado". Es un desnudo inacabado tumbado sobre una mesa, y las piezas que la componen estan aún sin soldar, sin pulir y sin la pátina oscura que cubre las obras de bronce de Antonio López. Se muestra mas adelante en este mismo artículo.

Esta es la "nota de prensa" con el catálogo completo de la exposición.

Listado de Obras Antonio Lopez

Adjunto también una selección de las 10 mejores obras vistas en la gran exposición de la Galería Thysen, según la selección realizada por la revista "El cultural" (aunque a mi me resulta muy curioso que no hayan seleccionado "Madrid desde Torres Blancas").
Siguiendo este enlace podeís ver el comentario de estas 10 obras.
Además de las dos ya comentadas: "Gran Vía, 1974-1981. Óleo sobre tabla. 93,5 x 90,5 cm (Colección privada) y la "Terraza de Lucio", 1962-1990. Óleo sobre tabla. 172 x 207 cm (Colección privada), han seleccionado estas otras ocho obras: 

Antonio y Mari, 1967-1968. Madera policromada. (Darmstadt, Alemania)

Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas, 1990-2006. 

Óleo sobre lienzo. 250 x 406 cm. 

(Encargo del Consistorio de Madrid, propiedad de la entidad Caja Madrid)

Gran Vía, 1 de agosto, 7:30 horas, 2009-2011. 

Óleo sobre lienzo. 130 x 130 cm. (Colección del artista).

Membrillero de Ciudad Florida, 1970. 

Lápiz sobre papel. 68 x 83,5 cm. (Colección privada).

Figura de Mujer: Eva para La mujer de Coslada, Cera Blanca y escayola 67x53x25 (Colección del artista)

Hombre tumbado, 2011. Bronce. 184,5 x 25,5 x 81,5 cm 

(Colección del artista).

Composición con cabezas, 1996-2011. 

Escayola, cera, barro, bronce, piedra, oro y plata. 

(Colección del artista).

Carmen dormida (La Noche), 2007. 

Bronce 2 /3. 243 x 200 x 228 cm. 

(Propiedad de la Galería Marlborough, 

con sedes en Londres, Nueva York, Tokio, 

Madrid y otras ciudades).

La exposición ahora ha viajado al Museo de Bellas Artes de Bilbao, donde se podrá ver desde el 10 de octubre al 22 de enero de 2012.

EL ARTISTA EN LA MUESTRA

Inauguracion de la Exposición con la Reina Sofía

ante el cuadro El campo del Moro creado de 1990 a 1994.
Oleo sobre lienzo adherido a tabla.

El artista con su familia

Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas

óleo sobre tela, creado de 1997-2006 que

adquirió la Asamblea de Madrid.

Antonió López con su esposa la pintora María Moreno 

ante el cuadro Mujer en la bañera de 1968

En la exposición de Madrid.

El cuadro del fondo es Madrid desde Torres Blancas, 1974-1982.

Este cuadro le convirtió en el pintor Español vivo más cotizado.

El pintor. María Moreno su esposa, y sus hijas María López

(comisaria de la exposición) y Carmen López frente al cuadro

Mujer durmiendo de 1958.

En la sala de los retratos de parejas

PROCESO CREATIVO

“Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades”. (Antonio López)

En este video podemos ver al artista en pleno trabajo al aire libre en la Puerta de Sol de Madrid, aprovechando la luz tan especial de las tardes en nuestra ciudad.

Victor Erice es uno de los mejores directores de cine españoles con una obra muy escasa pero muy apreciada por los amantes del cine, ha acabado siendo un director “maldito” que en su carrera solo ha conseguido producir tres de las películas más hermosas del cine español:  La maravillosa película de 1973: “El espíritu de la colmena”, la película “El Sur” realizada 10 años después (1983) y la película “El sol del membrillo” de 1992 (realizada 9 años mas tarde) en la que nos muestra el proceso creativo de Antonio López mientras retrata un membrillero en plena maduración, plantado en el jardín de la casa que le sirve de estudio.

Esta película ha sido elegida varias veces como una de las mejores de la historia del cine y fue el Gran Premio del Festival de Cannes de 1992. No podéis dejar de verla. Aún se puede comprar en este sitio, pero también me la podéis pedir para verla, e incluso la podéis descargar desde la Red desde varios servidores de ficheros, por ejemplo desde esta dirección:  DESCARGAR

ENLACES

En esta dirección podemos ver un excelente trabajo sobre la obra de Antonio López que incluye una entrevista, las imágenes de muchas de sus obras y la lista completa de su catálogo: CATÁLOGO y OBRAS

RECURSOS DE ANATOMIA PARA ARTISTAS

Este resumen no está disponible. Haz clic en este enlace para ver la entrada.

JACK EL GOTEADOR

Jackson Pollock  (1912-1956) es uno de los artistas estadounidenses más conocidos y es además el pintor de estilo abstracto mas importante del siglo XX.  

 Alcanzó la fama en el Nueva York en los años 40, con un tipo de pintura con múltiples influencias (el surrealismo, las pinturas de las tribus indias de América, las obras de Picasso, los muralistas mexicanos… ), pero a partir de 1947 su estilo se hizo completamente abstracto, pintando sus obras con una técnica experimental llamada “drip and splash” que podemos traducir como”goteo y salpicado”.

Pollock no utilizaba pinceles, extendía grandes lienzos sobre el suelo y desde los bordes goteaba la pintura con un palo o una brocha de pintar paredes. El artista se desplazaba alrededor del lienzo sincronizando su movimiento con el grosor y la textura de las líneas y salpicaduras que trazaba sobre su pintura.  A este estilo de pintar lo llamó “Action painting” y logró generar unas obras llenas de movilidad en las que se combina un caos aparente con un cierto orden interno.   Esta son algunas fotografías de Jackson Pollock creando sus pinturas:

A veces se colgaba el propio Pollock del techo de su estudio con un arnés y después se balanceaba por encima del cuadro llevando un bote de pintura perforado en su  fondo, chorreando pintura de distintos colores y creando una densa maraña de gotas y de líneas sobre el lienzo. Esta técnica se llamó “dripping”, y con ella logro crear tramas densas y compactas en forma de redes o marañas con un gran impacto visual y de una gran belleza plástica.

Debido a esta forma de pintar sin usar el pincel, Pollock fue apodado “Jack the Dripper” (Jack el Goteador) que es un juego de palabras con el nombre del asesino Ingles “Jack el Destripador” (“Jack the Ripper”).  Aqui podemos ver varios cuadros de Pollock en el estilo abstracto que le hizó famoso, el primero es su cuadro más conocido: El “Número 5”:

Número 5 1948

Blue Poles 1952

Lucifer 1947

Convergence 1952

Hay otros pintores que además del pincel y la espátula han usado técnicas pictóricas y brochas pintorescas o poco convencionales. Por ejemplo, Dalí lanzaba huevos llenos de pintura a sus cuadros, y en otro articulo de este Blog hemos presentado a Pricasso, un pintor australiano que utiliza una “brocha” muy original (por decirlo con delicadeza).

Ahora vamos a pintar un cuadro abstracto al estilo de Jacson Pollock gracias a una aplicación creada por Miltos Manetas: El cuadrado inferior es un lienzo en blanco apoyado en el suelo de nuestro estudio. Con el ratón (que es un bote de pintura agujereado en el fondo) podemos dejar un chorro de pintura sobre el lienzo. Si lo detenemos un momento la gota derramada se ensanchará. Pulsando el botón del ratón, podemos cambiar el color del bote de pintura. ¡Adelante!

 

También podemos pintar un cuadro a pantalla completa pulsando este enlace: PINTAR COMO POLLOCK

Pollock alcanzó durante su vida una gran celebridad, algo que no era muy habitual para un pintor. Fue aclamado por la critica americana, mientras que la prensa popular a menudo se burlaba de el y de sus famosas borracheras. Su matrimonio con la pintora Lee Krasner le aportó algo de estabilidad en su vida desordenada, y fue su apoyo constante en la época de sus grandes creaciones. Ella fue como su ángel de la guarda, abandonó su carrera de pintora por el, y le ayudó  todo lo que pudo a vencer el alcoholismo.

En los años 50, además de sus cuadros abstractos realizó algunas obras más o menos figurativas en un solo tono (blanco y negro), pero ha pasado a la historia como el creador del “Expresionismo Abstracto” y sus grandes cuadros de goteos y líneas  entrelazadas y de pleno colorido son los que le han convertido en una leyenda.

Cada cuadro de Pollock le llevaba meses de trabajo, retocaba sus obras hasta darlas por concluidas añadiendo líneas, gotas y regueros de pintura, y a veces descartaba e incluso destruía alguna obra que no le dejaba satisfecho.  A menudo recortaba los bordes del lienzo si consideraba que su complejidad, su densidad y su trama no se correspondían con las del resto del cuadro. Conseguía así cuadros perfectamente equilibardos en formas y colores, eliminando los conceptos de composición y perespectiva, con pinturas que no tenían un centro concreto si buscaban ninguna sensación de profundidad, sino armonía y belleza.  Su estilo pictórico ha marcado al resto de los artístas abstractos desde mediados del siglo XX.

Un dato interesante para terminar este articulo es señalar que el cuadro "Número 5" de Jackson Pollock es en la actualidad el cuadro más caro de la historia de la pintura. Fue vendido a través de Sotheby’s a un coleccionista privado por un total de 140 millones de dólares (108 millones de euros). El comprador es uno de los fundadores de la productora de películas de dibujos animados Dreamworks, que se hizo famosa con la película Shrek.  

Entre los diez cuadros mas caros de toda la historia de la pintura, se encuentran también dos cuadros de Picasso y uno de Van Gogh, y en segunda posición se encuentra un cuadro de Gustav Klimt.

 

PARA SABER MAS DE POLLOCK

•  BIOGRAFÍA:
  http://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock 
  http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pollock.htm

•  TODAS SUS OBRAS:
  
  http://poulwebb.blogspot.com/2011/02/jackson-pollock.html
   LA EXPOSICIÓN DEL MOMA DE 1998
  http://www.moma.org/interactives/exhibitions/1998/pollock/website100/pic_guardians.html 

• PELÍCULA: Ed Harris produjo y protagonizó una película biográfica sobre Pollock en el año 2000. Fue nominado para el Oscar junto con la actriz Marcia Gay Harden que hacía el papel de su esposa (la pintora Lee Krasner). Al final la actriz obtuvo el Oscar pero no Ed Harris, y ya es la cuarta vez que este gran actor ha sido nominado para el Oscar sin conseguir el premio.
  

EPÍLOGO: LAS FRACTALES

Aunque para muchos los cuadros de Pollock no son más que goteos y manchas aleatorias, lo cierto es que  sus pinturas tienen una estructura matemática interna que les da su atractivo visual y su equilibrio.    El mismo año de la muerte de Pollock un científico descubrió el motivo por el que los cuadros de Jackson Pollock resultan tan atractivos: El pintor sin saberlo estaba creando estructuras fractales, que son curvas matemáticas que aparecen en la naturaleza y que encierran una gran belleza y armonia.

Las fractales son curvas y estructuras similares a las que forman las ramas de los árboles, las nubes y las líneas costeras en la naturaleza, y aparecen también en economía, en sociología  y en múltiples campos del conocimiento humano. Su característica mas notable es que repiten su misma estructura a distintas escalas de ampliación: En ellas el todo es igual a cada una de sus partes.

El análisis por ordenador permitió al matemático australiano Richard Taylor, explicar el atractivo de las pinturas de Jackson Pollock. En un artículo publicado en "Nature" en el año 1999, demostraba que los cuadros de Pollock eran curvas fractales, formadas gracias a la configuración geométrica de los regueros que derramaba el pintor en sus vuelos alrededor del cuadro.  Además el “grado de complejidad fractal” de las obras de Pollock, fue creciendo a lo largo de su carrera, y permite que seamos capaces de distinguir matemáticamente un Pollock auténtico de un cuadro falso, e incluso que se pueda identificar el año en que el cuadro fue creado por el pintor.  

Los cálculos de los científicos han mostrado que la “dimensión fractal” de los cuadros de Pollock comenzó a tomar valores mayores que 1 a mediados de la década de los años 40 y desde entonces aumentó progresivamente hasta llegar en 1952 a valores de entre 1,7 a 1,9.  El patrón de crecimiento de esta complejidad fractal es tan regular que puede usarse para determinar la autenticidad de las obras de Pollock, e incluso para deducir la fecha en que fueron creadas.

Pollock murió en 1956 sin haber conocido los resultados de los investigadores sobre su obra, y es imposible que buscara conscientemente esta complejidad matemática o que pudiera controlar las dimensiones fractales de sus obras. El se dejaba guiar por su intuición, por su estilo y por la búsqueda del equilibrio y la belleza.

El propio pintor describió su proceso creativo con estas palabras:

“Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien.”

Jackson Pollock: "My Painting"

El texto original en inglés es este:

"My painting does not come from the easel. I prefer to tack the unstretched canvas to the hard wall or the floor. I need the resistance of a hard surface. On the floor I am more at ease. I feel nearer, more part of the painting, since this way I can walk around it, work from the four sides and literally be in the painting.

"I continue to get further away from the usual painter's tools such as easel, palette, brushes, etc. I prefer sticks, trowels, knives and dripping fluid paint or a heavy impasto with sand, broken glass or other foreign matter added.

"When I am in my painting, I'm not aware of what I'm doing. It is only after a sort of 'get acquainted' period that I see what I have been about. I have no fear of making changes, destroying the image, etc., because the painting has a life of its own. I try to let it come through. It is only when I lose contact with the painting that the result is a mess. Otherwise there is pure harmony, an easy give and take, and the painting comes out well.